Gabinetes de Curiosidades Victorianos

Durante los siglos XVI  y XVII, se pusieron de moda estos gabinetes, en donde coleccionistas y aficionados por el arte, la anatomía, flora, fauna y diversas rarezas acumulaban en un lugar  todos los objetos de su interés, dejando que propios y extraños admiren sus colecciones e interpretasen su origen y uso. Algunas de las piezas exhibidas estaban a la venta y su precio variaba según su procedencia, antigüedad y dificultad para  obtenerlo.

Los Gabinetes de Curiosidades o Cuartos de Maravillas (conocidos como Cabinets of Curiosities o Wonder Chambers en Inglaterra) son los precursores de los actuales museos de hoy en día, que durante los siglos XVI y XVII mostraban a los curiosos europeos objetos extraños y nuevos hallazgos procedentes de las exploraciones en otros continentes. Tuvieron un papel fundamental en el desarrollo de la ciencia moderna, reuniendo las primeras colecciones de fósiles y bichos, aunque el folclore también era parte importante, y no era raro encontrar cosas como sangre de dragón o cuernos de unicornio. (Ruiz, 2013)

También se hacía énfasis en objetos mitológicos e incluso mutaciones.  Llamaban la atención los fetos alterados de animales y humanos, además esqueletos que parecían proceder de sirenas, hadas, gnomos y la conocida mano de mono. Uno de los primeros gabinetes abiertos al público fue de un alemán que coleccionaba huesos. Otro interesante gabinete fue abierto al público, en el siglo XVII, estuvo en Roma y perteneció al jesuita alemán Athanaseus  Kircher. El Museo de Tecnología Jurásica, creado por David Wilson, es, en más de un sentido, descendiente de estos gabinetes del Barroco. (Biro, 2011)

Se notó que con ellos existía mucha demanda de la gente por observar, conocer y hasta comprar todo tipo de objetos y reliquias que prevalecían a través del tiempo. También se tomó conciencia de la realidad de diversas naciones, y la necesidad de guardar un poco de su historia para las futuras generaciones, creándose así lo que hoy conocemos como museos. Con el tiempo éstos se dividieron en diversas ramas.  En la actualidad son muchas las categorías de museos: de historia, ciencias, tecnología, numismática, medicina, taxidermia y demás.

Referencias

Biro, S. (2011). Gabinete de Curiosidades Pdf. Obtenido el 25 de enero del 2013 de http://www.revistaciencias.unam.mx/images/stories/Articles/68/CNS06809.pdf

Ruiz, J. (2013). Gabinete de Curiosidades. Obtenido el 25 de enero de 2013 de http://www.guirilandia.com/2012/11/13/gabinete-de-curiosidades/

La afición de ésta época sigue latente

Muchas personas pueden pensar que ésta época quedó en el pasado, sin embargo muchos aficionados  se esmeran en coleccionar artefactos, vestimenta y recrear ésta era. Aunque no parezca diversas piezas no sólo se encuentran en museos, sino en casas e incluso en nuestros propio hogares, familiares lejanos o nuestros abuelos poseen figuras de porcelana, ropa o artefactos antiguos.  En la actualidad se realizan especialmente en Europa, diversas ferias y exposiciones para coleccionistas de antiguedades, sobretodo se reúnen mujeres de diversas edades y clases en busca de muñecas de porcelana, trapo o madera que daten de este tiempo, ya que por sus detalles e historia guardan un gran valor sentimental , histórico y cultural.

"Ni el pasado ha muerto
ni está el mañana,
ni el ayer escrito".

Antonio Machado (1875-1939) Poeta y prosista español.

Vestidos y Accidentes

No todo fue belleza y comodidad, puesto que antes que la salud estaba la vanidad y el hecho de verse bien. Las mujeres solían aparentar mucho con tal de ser referentes de belleza y cumplir con la  estética de la época. Les era drfícil subir y bajar escalones puesto que los vestidos impedían ver en dónde pisaban o si el suelo era inestable. También las damas solían caerse o causar una que otra risa al intentar pasar dos mujeres por la misma puerta, porque al ser sus vestidos muy amplios se veían atascadas bajo el mismo umbral. Al notar que habían dichos problemas se empezó a disminuir el amplio del vestido y a hacerlo más cómodo ya que el corsé solía afectar a los pulmones puesto a que era muy apretado.

Potter: magía, arte y taxidermia

Walter Potter fue un famoso taxidermista victoriano, admirado incluso por la reina, más allá de la ciencia buscó producir arte y crear un mundo de maravillas con los cuerpos de diversos animales. Deseaba dar vida después de la muerte y que sus obras se queden plasmadas en escenarios donde la imaginación, el encanto y la fantasía se conjugaban; envolviendo al espectador en un nuevo universo donde nos mostraba que el deceso de una criatura no era algo lamentable, sino una pieza que puede ser pulida para convertirse magia y sueños.

Nació en Bramber, Sussex, el 2 de julio de 1835. De pequeño, fascinado por la naturaleza  comenzó a recoger los huevos de aves y mariposas, y él mismo enseñó a conservar las aves, a partir de un canario en 1854. Durante los próximos siete años, inspirado por el libro ilustrado para niños que pertenecía a su hermana, que construyó en su tiempo libre y se terminó en 1861 lo convirtió, probablemente, la obra más famosa de la taxidermia victoriana, un cuadro grande recreando la muerte y el entierro de Cock Robin. Noventa y ocho aves británicas (algunos con lágrimas en los ojos de vidrio) rodearon la torre con su libro, el toro de peaje de la campana, y el gorrión infame con su (ensangrentado) arco y flecha. Los otros versos del poema se ilustra apropiadamente, con un cortejo de luto siguientes aves Cock Robin en su ataúd. (Press, 2004-13)

Al ver el éxito de su obra en el jardín de la posada de su familia, poco a poco se fue haciendo famoso recreando momentos cotidianos de los victorianos, como ir a la escuela, los bares, las cafeterías, los bailes e incluso matrimonios. Viendo el éxito y la aceptación que poseían sus obras decidió abrir y construir un museo.
A medida que su colección atrajo a muchos nuevos clientes a la posada se le animó a construir el museo, esto se convirtió en una atracción.

Potter rápidamente se convirtió en el máximo exponente británico de este tipo de taxidermia humorística. Sus escenas incluyen el 'Upper Diez club de las ardillas', en la que los funcionarios trajeron las bebidas en una bandeja. Uno de los grupos se encontraba en discusión seria sobre qué cartas jugar, mientras que otros discutían sobre una garrafa de puerto con mucha animación y la toma de la mesa con los dedos. En Cambio, 'Lower Five' el, Trata de unas ratas desaliñadas, y se describen siendo allanadas por la policía local, que ve los juegos de azar en un juego de dominó y los clientes protestan.  Estos dos casos fueron inspirados por una canción contemporánea que contrasta la vida de las diferentes clases sociales.  (Press, 2004-13) 

Potter amaba los animales y tenía algunas mascotas en su casa de campo, cuando éstas morían, las preservaba e incluía en sus obras, también los agricultores le llevaban ratas y los guardabosques ardillas o uno que otro pajarito que encontrasen muerto. En su museo a parte de sus trabajos también se encuentran objetos muy curiosos.

Los gatitos muchos inmortalizados por Potter eran hijos no deseados de los gatos de granja locales. Los cuadros fueron las piezas centrales del museo, que también contiene una miscelánea de curiosidades, que van desde cadenas en los pies de prisión y las flores de la tumba de Charles Darwin y un trozo de la Gran Muralla de China. Estaba en su mayoría, sin embargo, una mesa llena de exposiciones de historia natural, como un albatros con las alas extendidas, un mono que monta una cabra, un gigante coipo capturado en el río local, y cientos de otros animales.  Los agricultores locales siempre fenómenos de la naturaleza, incluyendo un cochinillo de tres patas, un pollo de cuatro patas, y varios ejemplos de los gatitos nacen con las piernas supernumerarios e incluso jefes dobles. Estos resultaron particularmente popular entre los visitantes y contó con las postales que se venden en el museo. (Press, 2004-13)

 Su arte es la representación de la perfección y exigencia victoriana, de cómo era la vida en dicha época y cómo gracias a la creatividad, amor y pasión por lo que se realiza se puede salir adelante y dejar huella, aunque sus creaciones fuesen distintas. Finalmente murió en Bramber el 21 de mayo de 1918 y se lo enterró en el mismo pueblo. La colección se trasladó a Brighton en 1972 por un par de temporadas, luego de Arundel, donde permaneció hasta que fue trasladado a Cornualles en 1986 antes de ser vendidos en septiembre de 2003, cuando el contenido se dispersa. (Press, 2004-13)

Su material nos deja el legado de que todo es bello, sólo debe ser aprovechado y dejar que la imaginación se vuelva algo tangible y real.

Referencias

Press, O. U. (2004-13). Oxford Dictionary Of National Biography. Obtenido el 25 de enero del 2013 de http://translate.google.com.ec/translate?hl=es&langpair=en%7Ces&u=http://www.oxforddnb.com/index/101077222/Potter/&ei=lbcCUYmvDIS49QS604DYDg

Museo de Potter

Sus obras evocan a tiempos pasados, su visión de la vida y de hechos cotidianos es única e increible. Hombre de gran habilidad capaz de ver en aquellos ojos vacíos la luz de la vida y encontrar en cada facción una expresión util que acomodaba perfectamente en su trabajo. Destinando así a cada criatura una función y un papel en su obra quieta pero expresiva.  Potter fue como el mago de la época donde niños, jóvenes y público en general fue capaz de vivir  y palpar cuentos que sólo veían en libros y realidades cercanas o ajenas pero plasmadas en criaturas magníficas y detalles perfectos que  pocos  han podido o sido capaces de crear.

El legado artístico Victoriano

Si bien es cierto, durante la época victoriana, se experimentó un notable crecimiento y desarrollo económico, producto de la revolución industrial, por otro lado, se generó mucha controversia social, y debate político, por las condiciones de desigualdad e inequidad, prevalentes entre la clase obrera fundamentalmente. Para contrarrestar aquello, los literatos y pintores, se volcaron a plasmar en sus obras, un mundo ideal, en el que las clases sociales convivían armónica y pacíficamente.  En las novelas, el sentimiento de nostalgia hacia la vida rural estaba siempre presente, pues era allí donde se forjaba un auténtico sentido de comunidad.  De la misma forma, se le confirió a la mujer un rol protagónico, pese a los estrictos cánones moralistas de la época.

De ahí el auge de la mujer dentro de la novela, con caracteres sólidos e inteligentes, pero en el ámbito de la privado, porque la novela tiene que ajustarse al código moral, ya que las mujeres no podían romper con el código moral. La mujer debía ser pura, abnegada, moralmente superior al hombre. Esto refuerza la dicotomía entre la mujer ángel y la mujer diablo y supone un planteamiento esencialista, que no hace distinción entre sexo, entendido como diferencias biológicas, y genero, como diferencias culturales. (Victoriana, 2010)

Figuras de renombre como Jane Austen, presentan en sus novelas características románticas,  cuya finalidad era propiciar el reencuentro del ser humano consigo mismo, rescatando su identidad, desplazada para entonces por los intereses de mercado. Y es que a través de la novela, se creó sensibilidad social, sobre todo con respecto a los estratos pobres, cuyas condiciones eran en muchos casos miserables.  

El artista Tuke, rompió esquemas en la era victoriana, al retratar en sus cuadros, figuras desnudas de jóvenes gays.  Intentó demostrar que a pesar de su condición, estos jóvenes, tenían candor e inocencia, propias de su edad, y que un estereotipo o estigma social, no tiene relación alguna con la verdadera esencia de una persona. 

En vez de escandalizar la moral victoriana, las pinturas de Tuke se consideraron como celebraciones inocentes e ingenuas de la alegría y el placer de la juventud, incorporando todo lo puro e inmaculado. Tuke pintó también otros temas, sobre todo retratos y acuarelas de escenas portuarias y barcos de vela navegando, de los cuales se desprende un encanto delicado y casi místico, pero son sus escenas de jóvenes al aire libre las que predominan. Pintaba a los jóvenes desnudos, dedicados a saludables actividades al aire libre, nadando, zambulléndose o remando bajo un cielo de una intensidad mediterránea. (Muro, 2011)

Como principales legados, podemos decir que a través de la pintura y la literatura, los artistas victorianos, pretendían contrarrestar la fealdad de un mundo dominado por la revolución industrial, tratando de descubrir el verdadero sentido de la vida, presente en la belleza de la mujer, en la igualdad de condiciones, en la libertad.  En el cine tiene gran influencia en la actualidad, Tim Burton es uno de los mayores exponentes del arte victoriano, incluyendo su vestimenta, ambientación y paisaje en películas como: “El cadáver de la novia”, “Sweeney Todd”, “Charlie y la fábrica de chocolates”, etc. También la época se toma los videojuegos como: ““TimeShift”, la saga “Thief”, “Myst”, el famoso “Bioshock” y “La piedra de Anamara”; donde los juegos contienen paisajes, vestimenta, fotos y armas de ese tiempo.

En otro aspecto, el concepto de clase y elegancia viene de los victorianos, sus vestidos, la moda, ya que desde que la reina enlutó se crearon las primeras casas de moda, que ofrecían vestidos de luto finos para la ocasión y que poco a poco fueron creciendo llegando a lo que ahora es Dior, Gucci, Christian Loboutin, etc. También la decoración, lámparas, muebles, camas, autos, relojes y bisutería aun conservan la esencia victoriana y su uso en nuestros días. Además podemos rescatar los famosos relatos   infantiles y sus películas basadas en cuentos y novelas victorianas como “Alicia en el país de las maravillas” o adaptaciones cinematográficas de “Oliver Twist”, “El extraño caso de Dr. Jekyll y Mr. Hide” y “ El Retrato de Dorian Gray”, estos últimos basados e inspirados en el estilo de vida de aquel tiempo.

En conclusión, aunque la era victoriana estuvo marcada por la revolución industrial, la lucha de clases, la excesiva moral, y la represión hacia la mujer, fue también el inicio de una época de esplendor en lo que a arte se refiere, y fue precisamente ese arte el que motivó al cambio de pensamiento y de actitud de los individuos.  Se tomó plena conciencia de la importancia que encierra el trato digno y humanitario a los obreros, así como del aporte de la mujer como un ente inteligente, proactivo, y con capacidad de decisión.

El legado de la época victoriana trasciende a la dimensión artística, tiene directa relación con los principios y valores que definen al ser humano y que en la actualidad es imprescindible retomar, frente a una sociedad excesivamente consumista, materialista, y egocéntrica.  Ciertamente, la obscuridad es combatida con la luz, y eso es esencialmente lo que los artistas victorianos lograron, pues tomaron conciencia de la necesidad de cambio, ante un régimen de desigualdad.

Referencias

Muro, J. (2011). Pintura gay de la época victoriana. Obtenido  el 26 de diciembre del 2012 de http://eldibujante.com/?p=7103

Victoriana, L. C. (2010). Arte y Cultura en la Época Victoriana. Obtenido el 26 de diciembre del 2012  de http://lacasavictoriana.wordpress.com/2010/01/26/arte-y-cultura-en-la-epoca-victoriana/)

Pintura Victoriana

Ésta rama del arte se particularizaba por la técnica de óleo sobre lienzo, y al igual que la literatura, los artistas buscaban evadir la realidad al inmortalizar a héroes y personajes mitológicos de Grecia y el antiguo Egipto, creando fantasía, y contando historias mediante sus obras. A esta corriente artística se la conoce como “pintura Pre Rafaelista o Victoriana”, ya que a la reina Victoria le sucedió en el trono el rey Rafael.

Un arte meramente romántico  protagonizado por magos y hechiceros, héroes legendarios, personajes del Imperio Romano, de Grecia y del antiguo Egipto. A pesar de ello, la dura crítica también ha reconocido, por otro lado, que el gran valor estético de los cuadros prerrafaelistas no tiene parangón. Desde hace pocos años, el arte de los pintores prerrafaelistas ha comenzado a tener mayor difusión en las galerías y museos de Europa y Latinoamérica, gracias al patrocinio realizado por el Reino Unido.  A través de sus cuadros se intentan dar mensajes morales y didácticos, entre los que destaca la lucha por el decoro victoriano. En definitiva, este arte es un reflejo de la lucha social que intenta eludir los traumas de la Revolución industrial, y por el que los artistas se sumergen en un mundo idílico y disfrazan la realidad con bellas metáforas. Los artistas se vuelcan en el mundo medieval y clásico, en las ciudades legendarias, en un mundo dominado por la estética femenina y la figura de la mujer, elemento este último que se toma como tema principal de todos sus cuadros. (Taller54, 2004)

Se destacaron pintores como Dante Gabriel Rossetti, Holman Hunt y John E, quienes formaron la hermandad de los Rafaelistas en 1848, resaltando la ingenuidad y sencillez en sus pinturas. También se destacó Edwin Long, Arthur Bridgman, William Bouguereau y Alma Tadema; éste último de origen inglés, fue el más detallista en sus obras y solía representar la vida cotidiana de un victoriano: fiestas, eventos, acontecimientos y tradiciones de otras culturas, en especial la egipcia y romana.

La vida artística del mundo clásico, los coleccionistas, los artistas o la propia vida cotidiana serán las temáticas preferidas por Alma-Tadema para sus composiciones. Tadema envuelve la escena en una luz dorada y nos muestra a los diferentes tipos vestidos a la moda ateniense. El exquisito dibujo y el ambiente creado por el pintor británico resultan muy atractivos a pesar de las críticas recibidas, ya que los especialistas contemporáneos consideraron que Alma-Tadema trasladaba las costumbres victorianas a los escenarios clásicos. (Taller54, 2004)

Los pintores buscaban dar toques de realidad en medio de escenarios fantásticos, retratar paisajes, flora, fauna, diosas, ninfas, hadas, crear mundos nuevos. Se utilizaba muchos elementos como la luz, la sombra, relieves y tonalidades que hacían que sus cuadros pareciesen fotografías, destacando la belleza femenina.   

En conclusión, la pintura victoriana evoca la vida, paisajes y realidad de épocas determinantes en la historia de la humanidad, como son, la egipcia y la romana, cuyas costumbres y tradiciones, marcaron un hito en la sociedad.  La perfección de las obras victorianas, nos traslada a momentos de la historia, caracterizados por el lujo, y la fastuosidad.  Sin embargo, esto era un mero espejismo, porque la realidad de la época victoriana era totalmente diferente.  Prevalecía el moralismo, la inequidad, la explotación.  Por ende, los artistas plásticos se convirtieron en una especie de redentores ante la triste realidad victoriana.  Podían escapar de ella, y al mismo tiempo permitían que el resto de la gente también lo hiciera.  De alguna forma, brindaban un poco de esperanza y de claridad ante una sociedad farsante y llena de paradojas.

Referencias

Taller54. (2004). Pintura Victoriana Pre Rafaelistas. Obtenido de http://www.taller54.com/prerafaelistas.htm

Literatura Victoriana

La literatura se desarrolla bajo la corriente romántica, donde se representaban amores imposibles y pasiones ficticias. Con el pasar del tiempo y los cambios, acontecimientos como la industria y migración, inspiraron a los escritores  a crear novelas basadas en la realidad que se vivía. El trabajo infantil y la pobreza, fueron temáticas recurrentes en  las novelas de la época.  A través de ellas se reveló el otro lado de la moneda, pues, si bien una gran mayoría tenía trabajo estable, por otro, cientos de personas vivían en las calles, dedicándose  a  pedir caridad, o limpiar chimeneas, poniendo en riesgo su salud por las diversas caídas,  y por la inhalación de polvo y carbón que se acumulaban en sus organismos.

Hay tener en cuenta que, junto a la revolución industrial, se está produciendo en Inglaterra una revolución social que hacía que millares de personas, hasta entonces analfabetas, accedieran a la   cultura de la letra impresa. El escritor se sentía “educador” de estas masas obreras y de clase media. Se explica así el auge del melodrama y las novelas por entregas para satisfacer exiguas necesidades culturales de estas clases sociales. (Buenastareas, 2011)

La literatura no sólo sirvió para entretener a las personas, sino para educarlas y despertar su interés por las novelas, de forma particular, la clase proletaria podía identificarse con los libros ya que la temática principal era su rol dentro de la sociedad; además lograban escapar de la realidad por medio de la ficción creada en dichas novelas, como en “Alicia en el país de las maravillas” de Lewis Carroll, donde las personas podían soñar y crear un mundo en el que podían ser felices y olvidar su miseria.

Curiosamente, en ésta época las mujeres se apoderan de la literatura, a pesar que no era bien visto que ellas accedieran a dichos campos, utilizaban seudónimos o se atrevían a publicar sus cuentos, brindando una perspectiva distinta al lector de la condición femenina: sus sentimientos, su forma de pensar, actuar y ver la vida. Sin duda también grandes autores marcaron el arte literario, entre ellos: Charles Dickens, Alfred Tennyson, entre otros.

Por primera vez en la historia inglesa, las mujeres asumieron un papel central. La novela inglesa quedó definida, en gran medida, por las obras de Jane Austen, Charlotte Brontë, Elizabeth Gaskell, y George Eliot. Otras notables figuras de la novela victoriana fueron Anthony Trollope y las hermanas Brontë. Emily escribió una de las más grandes novelas de todos los tiempos, Cumbres borrascosas (1847), mientras sus hermanas Charlotte y Anne también escribieron obras memorables. George Eliot es otra destacadísima novelista de la literatura universal, así como George Meredith y Thomas Hardy. (Foroactivo, 2010)

Dickens se inspiró esencialmente en el trabajo infantil, ya que él vivió aquella realidad, pues procedía de una familia de clase media, y fue obligado a trabajar a temprana edad para ayudar con los gastos de su hogar, sin embargo su familia recibió una herencia por parte de su abuela, pero su madre, no contenta con eso, forzó a Dickens a continuar trabajando, lo que él sintió como un acto humillante. Es por esto que escribió “Oliver Twist”, la historia de un niño que se enfrenta a la vida y lucha por ganarse el pan de cada día trabajando muy duro y siendo explotado. Relata además la agilidad de los niños, para reparar daños en las diversas maquinarias textiles, ferroviarias, y para realizar otras labores que, difícilmente un adulto podría ejecutar por su complexión física.

Los niños pobres eran obligados a trabajar desde muy pequeños. Muchos ganaban unos pocos peniques como limpia chimeneas, mensajeros, llama-carruajes, limpia carreteras, vendedores de juguetes o de flores y como porta equipajes o paquetes. Otros niños trabajaban junto a sus padres en casa o en pequeños, oscuros y sucios talleres, cosiendo ropa, sacos o zapatos.
La revolución industrial tuvo como resultado la contratación de muchos niños en enormes fábricas. A menudo eran los operarios de las maquinarias más peligrosas. Los niños que trabajaban en fábricas sufrían una vida muy dura. Las chicas jóvenes que trabajaban en las fábricas de cerillas de Bryant y May tenían jornadas muy largas por un sueldo miserable, trabajaban con material peligroso como el fósforo, que causaba una enfermedad conocida como "phossy jaw" que pudría las mandíbulas inferiores. Los niños comenzaban a trabajar en las fábricas entre los nueve y los doce años, en muchos casos los padres empleaban a sus propios hijos, quienes trabajarían a su lado. Hubo niños trabajando incluso 12 horas al día. El empleo de niños para determinados trabajos vino dado por la tecnología de la época. La primera hiladora de algodón era tan pequeña que las únicas personas capaces de trabajar con ella o de arreglarla eran los niños, además enseñársela a manejar resultaba muy sencillo. En la década de 1830 los niños trabajaban uniendo dos hebras rotas del mismo hilo dentro de las máquinas que las enrollaban. Este era el motivo por el que los dueños los contrataban a una edad tan temprana.  (Augusta, 2007)

Por otro lado, la sociedad victoriana influenció a artistas como Robert Louis Stevenson, que a pesar de ser escocés, tuvo una visión externa de la época, que lo empujó  a escribir la famosa novela “Dr. Jekyll y Mr. Hide”, en donde se describe al hombre correcto, sabio y noble que por las noches se transforma gracias a una poción, en un ser malvado, cruel y despiadado, mostrando así el lado reprimido de un victoriano, ya que en la sociedad era mal visto que las personas expresen libremente sus sentimientos.  De hecho, solían guiarse por la moral y un pudor firme. De esta manera la realidad invadió las páginas de los libros, sacando a la luz a una sociedad llena de cambios, avances, defectos, abusos, leyes y valores.

Referencias

Augusta, S. (2011). El trabajo infantil. Obtenido el 22 de diciembre del 2012 de http://www.sociedadaugusta.com/AUGUSTA/viewtopic.php?f=10&t=15

Buenastareas. (Noviembre de 2011). La Literatura en la Época Victoriana. Obtenido  el 21 de diciembre del 2012 de http://www.buenastareas.com/ensayos/La-Literatura-En-La-%C3%89poca-Victoriana/3108617.html

Foroactivo. (2010). La literatura británica en la época victoriana. Obtenido el 22 de diciembre del 2012  de http://epocavictoriana.foroactivo.com/t36-la-literatura-britanica-en-la-epoca-victoriana

Fotografía "Post Mortem"

En dicha época era realmente difícil para los ciudadanos acceder a una fotografía debido a que era bastante caro dicho servicio, y sólo familias pudientes podían pagar por ellas. Es por esto que la toma de una fotografía se reservaba para momentos sumamente especiales como matrimonios y fiestas, pero en especial se reservaba dinero para la fotografía “post mortem” (después de muerto) o memento mori (recuerda que eres mortal/ que vas a morir); dichas fotografías como su traducción lo explica eran dedicadas especialmente a las personas que morían y su familia deseaba preservar un recuerdo del fallecido. En este periodo era muy común enfermedades como viruela, tuberculosis, sarampión, raquitismo y asma; que en especial afectaba a los más pequeños, siendo en su mayoría fotos de niños o “ángeles” como los llamaban en los expedientes de la época.

Los victorianos tenían un concepto distinto de la muerte, era algo único y memorable, era usual encontrar por las calles anuncios de fotógrafos especializados en memento mori, que anunciaban ofertas y buena calidad puesto a que se necesitaba a alguien profesional que maquillara, posara e incluso parara al muerto para que en la imagen pareciese que todos estaban vivos. Muchas veces, era una simple foto del cadáver en el ataúd, pero ocasionalmente la gente quería algo más vívido, por lo que colocaban los cuerpos en posturas que hacían pensar que estaban vivos.  Era tal el afán de crear esta ilusión, que los colocaban en soportes para que se mantuvieran sentados o de pie. Un detalle que llamaba la atención era que, a veces, pintaban los párpados para que pareciera que tenían los ojos abiertos o, simplemente, les cortaban los párpados superiores. (Borbón, 2012)

Las familias de los difuntos trataban de mantener cualquier recuerdo, también recogían mechones de cabello, uñas y dientes y los guardaban en joyas, especialmente los relicarios que se diseñaron bajo esta finalidad.

Se enviaban como agradecimiento o también a los familiares que no pudieran viajar al funeral. También se conservaba mechones de cabello del difunto se fabricaban joyas con ellos. Las tumbas victorianas eran mucho más elaboradas que en la actualidad. Se esperaba que la familia del difunto gastara lo que más pudiera en hacer un monumento apropiado al status social del difunto y de su familia. Los símbolos que más se usaban eran:
Urnas: Signo clásico de la cremación romana
Coronas: Símbolo de vida eterna, por su forma circular que no tiene comienzo ni fin.
Obeliscos: Símbolo Egipcio de vida eterna
Mujeres lamentándose: Símbolo de una mujer vestido en túnicas sueltas (romanas) físicamente exhaustas de tanto llorar y apoyándose en una mano, a veces en una urna o en una cruz. (Lorelei, 2006)

La fotografía llegó más tarde a América, hay pocos registros de este tipo de fotografía, sin embargo México es el país latino que más fotos tiene, también se debe a su cultura, el respeto y admiración a la muerte. En cuanto a Ecuador en el Museo de Cera o de la Cuidad, se conservan algunas fotos de ésta índole, siendo así uno de los principales atractivos la foto original del ex presidente García Moreno, a quién después de su muerte reconstruyeron su cráneo y recuperaron sus facciones para ser velado durante un poco más de una semana en la iglesia de la Compañía, a su velorio acudieron millones de personas de diversas partes del país. Se lo vistió en sus mejores galas y se lo sentó en el centro de dicha iglesia, para evitar el aroma que desprende el cadáver al empezar su proceso de descomposición, se utilizaba la hoja de laurel para neutralizarlo y hacer que las personas tolerasen permanecer más tiempo cerca del difunto. En América latina, especialmente existía la costumbre de contratar a las “lloronas”, que eran mujeres que asistían a funerales con el objetivo de llorar al muerto y que la gente pensase que se trataba de la familia del mismo y que éste era muy querido, se las pagaba por dicho servicio.

Además otro dato importante era que se creía que para llegar al cielo, las personas lograban ser aceptadas y limpiadas de pecado al ser vestidas de monjas, curas, frailes, obispos e incluso papas, para purificar su alma, por lo que antes de morir solían escribir cartas donde solicitaban cómo debían ser velados y muchos pedían utilizar un traje en particular. Prácticamente las personas trabajaban para poder pagar su velorio y funeral, ya que el rito y la preparación era bastante costoso.

La mayoría de información se debe a mi visita al Museo de Cera en Quito, a una exposición especial realizada con el motivo de Semana Santa, donde se hizo énfasis en la fotografía post mortem. Otro dato curioso es que generalmente las personas eran enterradas en fosas comunes, sólo miembros de la iglesia, personajes destacados o de la aristocracia contaban con los primeros mausoleos, empero los nichos eran máximo de 1.60 metros de largo por lo cual cuando un sacerdote o persona importante era enterrada, y ésta media más de lo dicho, tenían que cortarle los pies al difunto para enterrarlo.

Referencias:

Borbón, A. (1 de Octubre de 2012). Fotografía post mortem en la época victoriana. Obtenido el 19 de diciembre del 2012 de http://tecnoculto.com/2012/10/01/fotografia-post-mortem-en-la-epoca-victoriana/

Lorelei. (28 de septiembre de 2006). Reglas y Costumbres del luto en la Epoca Victoriana. Obtenido el 19 de diciembre del 2012 de http://lorelei1.wordpress.com/2006/09/28/reglas-y-costumbres-del-luto-en-la-epoca-victoriana/